DET ER TID AT DET SKAPER I DAG I VERDEN AV KUNST, DET ER SÅ VÆRTFULLT Å PERCEPE, OG MER ENN EVALUERER AT VI IKKE HAR ALLS MIG SELV Å GJØRE ET ATTEMPT. ADVENTOR AV KLASSISK FIN KUNST TIL ET AVSTAND FRA NYE "MASTERPIECES" OG STØTT FRA FABULOUS AMOUNTS SOM TILBYR Å BETALE FOR "DIMMER DEMIERO JERIUJELLI JERAJUJERI KHEJUJERJA JERJUJAJERJA DELAJA. La oss prøve å finne ut av det.
Avansert moderne kunst er mye mer forståelig, nærmere og dyrere. Det er bare nødvendig å forstå hvilke lover den adlyder. Hvis du ønsker det, kan du enkelt plukke opp nøkkelen til den hemmelige døren som fører til samtidskunstens verden, og avkode det mest uforståelige kunstobjektet. Du vil se at verkene som er laget i løpet av de siste tiårene ikke har gått så langt fra de som ble presentert for publikum for 100 år siden. Faktisk er det ofte fortiden som forklarer hva som skjer.
Samtidskunsten skremmer, pusler, provoserer, intriger, vekker nysgjerrighet, krever ettertanke, tilfredsstiller og til slutt herligheter. Her er veien du må gå for å komme til toppen av "fjellet" kalt samtidskunst. Du må ha et ønske og et visst mot til å gå på veien, mens foreløpig forberedelse vil hjelpe deg raskt å overvinne avstanden. Det er ikke lett å klatre: Forvirring, usikkerhet og av og til er avsky den reisende trofaste følgesvenner. Stor er fristelsen til å gå tilbake (noe mange gjør). Men for noen som passerer minst halvveis, venter en slags belønning - en bytte av medreisende: nå går nysgjerrighet og tilfredshet langs, og på toppen vil det være glede. Et moderne kunstverk kan umiddelbart forstås, eller det kan ta tid å samle informasjon, lese kilden, stille spørsmål, tenke og diskutere.
Det er ingen profesjonelle, amatører eller kjennere av samtidskunst som ønsker absolutt alle verkene. Men gjennom kunsthistorien berømmet samtidige noen og kjeftet på andre. Noen var en universell favoritt, men noen hatet. Over tid ble noen glemt, mens andre gikk ned i historien. Ting er mer komplisert med samtidskunst, ettersom testen av tid ennå ikke er bestått. I dette tilfellet må du stole på fagpersonens meninger og lytte til dine egne følelser. Vi trekker våre egne konklusjoner: et kunstgjenstand er enten verdig et sted i et museum eller ikke.
Et annet scenario følger herfra, rett overfor det første. Samtidskunsten skremmer, pusler, provoserer, intriger, vekker nysgjerrighet, krever ettertanke, tilfredsstiller ikke og frastøter. Den reisende drar til fjells i håp om å glede seg over utsikten, og han viser seg å være middelmådig og ikke skaper følelser.
Og hvorfor var det likevel? Imidlertid er slike turer alltid en god trening for hele kroppen: utholdenhet utvikler seg, tonen øker. Prosjekterer vi denne ideen i samtidskunst, får vi kunnskap, utvider våre horisonter, intens refleksjon, som noen ganger har en terapeutisk effekt, og deltar også i et intellektuelt spill.
Perioden i kunsthistorien, som begynte på 60-70-tallet av forrige århundre og fortsetter til i dag, er assosiert med moderne kunst. Skaperne av det nye er lenger og lenger fra fortidens kanoner, kunstbegrepet har utvidet: installasjoner, forestillinger, landkunst, videokunst har dukket opp.
For å forstå alt dette, må du kjenne til spillereglene, som inntil romantikkens æra i første halvdel av XIX århundre var uendret. Romantikerne gjorde en liten, men revolusjon, hvis konsekvenser føltes frem til i dag. Siden den gang har spillereglene stadig endret seg.
Ordet "spill" er langt fra tilfeldig. Mange kunstnere oppfatter verkene sine på denne måten. Døm selv: er det virkelig mulig å ta på alvor Pierrot Manzonis "Shit of the Artist", som han opprettet tilbake i 1961? Blikkbokser med en slik inskripsjon ble skapt av ham som en hån mot et samfunn som etter å ha glemt hvordan han tenker, tar alt som blir sklidd til ham. "Er det kunst?" - spør du. Imidlertid er det som i dag kalles kunst ikke ment å "dekorere" et soverom eller stue, så kjør bort tanken "Jeg ville ikke henge dette på egen hånd."
Samtidskunst, spesielt konseptuell kunst, bryr seg ikke om spørsmålene om skjønnhet, estetisk glede, dyktighet og ytelse. Nå er det viktigste ideen, designen, konseptet. Filosofisk resonnement, personlige erfaringer, reaksjon på hendelser - dette er en ufullstendig liste over hva forfatteren ønsker å formidle til oss. Når du er foran utstillingen på Museum of Modern Art, kan du stille deg selv spørsmålet: liker jeg tanken som ligger i dette arbeidet? Det vil si at du ikke skal like arbeidet selv, men det det personifiserer. Dette er selvfølgelig mer komplisert enn landskapet til Shishkin eller portrettet av Renoir, men med en viss trening vil du glede deg over slike intellektuelle spill med et livløst (eller kanskje animert) objekt.
Et kunstverk kan være hva som helst, ethvert objekt som er opprettet eller "plukket opp" av en kunstner ("readymade") og erklært av ham som sådan. Denne ideen, uttrykt av Marcel Duchamp for 100 år siden, er mer relevant enn noen gang i vår tid. Hans "fontene" ble opprettet for utstillingen til Society of Independent Artists i 1917, selv om ordet "opprettet" ikke er helt passende her. Forfatteren kjøpte en urinal i en rørleggerbutikk, la en signatur på den og satte den i et annet perspektiv. Så emnet - lesepiken, tatt ut av sin kontekst - med en lett forsyning Duchamp ble kalt et kunstverk. Selv om Duchamp selv snakket om antikunst. Konseptkunst, født på 60-tallet, skylder mye til denne eksentriske franskmannen som har gjort en virkelig revolusjon. Etterfølgende generasjoner gikk lenger og inkluderte handling, lek, humor og gester i kunstbegrepet. En levende bekreftelse på dette er forestillingen "Light Turns On and Off" av Martin Krieg, som mottok den prestisjetunge Turnerprisen innen kunstfeltet i 2001. Kunstneren sto ved gangen som var reservert for ham i museet, og skrudde lysene på og av.
Det ser ut til at det ikke er nødvendig å tegne og male ferdigheter for å være en moderne kunstner, fordi ideen legemliggjort i verket er viktigere enn dens ytre likhet med et reelt objekt. Likevel gikk mange moderne kunstnere på kunstskoler, studerte med anerkjente mestere, mens de var på jakt etter sin egen stil. Det er for ham kunstneren noen ganger er forpliktet til å unngå klassisk maleri.
Det er nødvendig å vurdere ethvert arbeid i sammenheng med tiden da det ble opprettet. Husk Olympia av Eduard Manet. Hun fascinerer, gleder seg, vinker. Men på Paris-salongen fra 1865 fikk hun en annen rolle: å vise hvordan moderne kunst har nådd, hvor vulgær og kynisk den har blitt. Bildet provoserte en skikkelig skandale. Sikkerhetsvakter ble tildelt henne og plassert ganske høyt slik at publikum ikke kunne spytte på henne, treffe med en stokk eller paraply. Kjennere av maleri bemerket planet til figurene. Det vil ta noen et par tiår - og forenklingen av former og bilder vil bli en integrert del av det nye billedspråket og et kjennetegn for mange vestlige kunstnere. Damien Hirst bemerket veldig nøyaktig: "Folk som skjeller ut samtidskunst glemmer at enhver kunst en gang var moderne."
Vi var delvis heldige, for når vi studerer samtidskunst, har vi muligheten til å henvende oss til de primære kildene. Kunstnere fra det 20. og 21. århundre tar gjerne sikkerhetskopi av verkene sine med manifestasjoner, erklæringer og artikler. Takket være de teoretiske verkene fra Kazimir Malevich, kan vi forstå hans "Black Suprematist Square", hans oppdagelse av meningsløst maleri. Når du står foran dette lille lerretet i State Tretyakov Gallery, kan du bli skuffet, for bortsett fra den spreke svarte malingen på hvit bakgrunn, er det ingenting der. Men dette er ikke det som er viktig for å forstå, men dens skjulte mening, sin plass i maleriet, tilgang til meningsløshet, plasseringen av dette svarte torget "i det røde hjørnet" på utstillingen "0.10" i 1915, endelig.
Kunst er speilet i sin tid. Samtidskunst reflekterer følelsene til mennesker som lever nå, og ikke for 2000 år siden. Det snakker på språket vårt om realitetene og hverdagen vår. På denne måten er det tydelig og nært. Hvis du er forvirret, vet ikke hvordan du skal forholde deg til det du så, les bøker om samtidskunstens historie. Det er ikke så viktig at du liker det med en gang, men hvis hjertet og sjelen din er åpne for nye, noen ganger rare og uforståelige ideer, betyr dette at du nærmer deg toppen av fjellet, der interessante samtalepartnere venter på deg.
Tekst: Katerina Baginskaya, kunstekspert og kunstkritiker
