"ADVANTAGE av skulpturer - er stabilitet i tiden, men hvis MALERI PÅGÅR emalje maling, og deretter plassert i BRANN OG DET Immolation, vil det overgå i evigheten SELV OM skulptur ... Bronse skulptur av holdbarhet, er det å male på emaljen alltid .."
Leonardo da Vinci
Emaljekunst hadde sin opprinnelse i det gamle Egypt, og det ser ut til at dette ikke er tilfeldig. La oss forestille oss den pittoreske naturen i disse landene: om dagen - en blendende blå himmel om natten - en mørk blå himmel, dekorert med mylder av stjerner. Ørkenens rødlige sand og den brennende kulen fra den varme solen over den. Den mektige Nilen med kyster omkranset av papyruskratt og skinner av gjenskinn fra snøhvit lotus. Horisonten, robust av toppen av fjellene, og systemet med palmer, som bærer på stammene-søylene hovedstaden til den grønne kronen ... Alle disse motivene er tydelig sporet, formene blir lett gjettet, både i den monumentale og dekorative kunsten i det gamle Egypt. Fortidens mestere hentet inspirasjonen fra naturen, og smykker var intet unntak.
De viktigste materialene som ble brukt av de gamle egyptiske juvelerene, var gull, sølv og elektrisk (en legering av gull og sølv). Som dekorative innlegg var steiner som turkis, lapis lazuli og carnelian mye brukt, som egypterne tilskrev hellig makt.
Jeg gjør oppmerksom på at smykkene ikke var smykker i de gamle tider. De la en spesiell mystisk mening. Juveler ble assosiert med naturkreftene og gudene som disse styrkene personifiserte. Stor vekt ble gitt til det symbolske språket i farger. Og emalje var best egnet til å berike paletten med dyrebare produkter.
Utstrålingen av gull ble sammenlignet med solen og dens utførelse - guden Ra, den kalde glansen av sølv med månen og gudinnen Isis (Isis). Mørkeblå lapis lazuli personifiserte nattehimmelen med sin herre gudinnen Nut og symboliserte evigheten. Den blågrønne turkisen er et symbol på varig ungdom og gjenfødelse. Carnelian, hvis farge kan sammenlignes med fargen på blod, var et symbol på styrke og vitalitet. Denne fargen ble assosiert med Seth, ørkenens gud. Som et resultat av kombinasjonen av disse fargene var dekorasjonene veldig lyse og elegante. En av favorittteknikkene til egyptiske gullsmeder var cloisonne-inlay-teknikken, som senere degenererte til cloisonne emalje, som tok på seg symbolikken i turkis, lapis lazuli og andre steiner.
Cloisonne emalje. Det lages på følgende måte: skillevegger loddes på overflaten av produktet, og danner originale celler der emaljen legges i form av et glassaktig pulver og bakes deretter. Noen ganger gjentas denne prosessen flere ganger til emaljenivået samsvarer med partisjonene. Etter dette blir overflaten på produktet malt og polert.
Men la oss gå videre. Fra det 5. århundre f.Kr. brukte de keltiske stammene som bebod en del av territoriet til det moderne Frankrike og Storbritannia, en annen emaljeteknikk - hakkemalje på bronse. Fargene som ble brukt av mestrene var lyse og mettede, oftest korallerøde, så vel som grønne, blå og hvite. Det viktigste grafiske motivet var et stilisert blomsterpynt. Oftest finnes emaljeinnlegg på smykker, først og fremst på spenner og brosjer, så vel som på militært utstyr - skjold og sverd.
Meislet emalje. Som navnet tilsier, er det kjennetegn ved denne emaljeringsmetoden at emaljen er plassert i spesielle spor på metalloverflaten, som kan oppnås ved gravering, preging, stempling eller bruk av andre smykketeknikker. Både ugjennomsiktige og transparente emaljer er tillatt. Når det gjelder gjennomsiktig emalje, spesielt hvis den dekker et betydelig område av produktet, ble det ofte brukt et lettelsesmønster på metalloverflaten, og på grunn av forskjellen i dybder, varierte fargen på emaljen fra lysere til mørkere.
Fra begynnelsen av VIII-tallet ble den bysantinske cloisonne-emaljen utbredt. Masters oppnådde perfeksjon i denne vanskelige teknikken i emalje styrke, og i tynnheten av partisjonene overskred de alle tilgjengelige prøver på det tidspunktet. Tallrike lønninger og ikoner laget med cloisonne emaljeteknikk har overlevd til i dag. Og i henhold til de bevarte, skrevne historiske kildene, kan det til dømes vurderes at de seremonielle klærne og hattene, interiørartiklene og til og med hestesele også var dekorert med emalje. Saftige, lyse farger på emalje, kombinert med en gnistring av gull, ga verkene fra bysantinske mestere et luksuriøst og pompøst utseende som passet perfekt med smakene til datidens aristokrati ...
I Europa er det største senteret for produksjon av emaljeprodukter den franske byen Limoges. Hvis i XII-XIII århundrer var hovedteknikken meislet emalje, begynte mestere fra slutten av XIV-tallet å bytte til en mer kompleks malt (billedlig) emalje, som foreviget navnet på byen i århundrer. Kunstnere laget bokser med relikvier, boller, plaketter, mugger, servise. Mytologiske og bibelske historier ble ofte kopiert fra graveringer. Fra det 16. århundre begynte mestere av den nye skolen å bruke monokrom maleri ved hjelp av grisaille-teknikken. Den milde og jevne fargegraden fikk disse brikkene til å se ut som lettelse.
Malt emalje. Dette er et slags miniatyrmaleri. En emaljert base laget av kobber, sølv eller gull er malt med emaljemaling. For å forhindre blanding av farger, noe som kan føre til tap av farger, påføres emaljen i flere lag. Hvert av lagene er fikset ved avfyring. For å unngå deformasjoner under påvirkning av høye temperaturer, er baksiden av produktet dekket med den såkalte motemaljen. Denne typen emaljer krever det største antallet emaljemaling, som ikke bare skiller seg i farger, men også i smeltepunkt.
På 1800-tallet falt emaljenes ekstremt arbeidskrevende kunst i forfall. Hans vekkelse er assosiert med fremveksten av jugendstilen. På XX-tallet ble emalje på grunn av sin spektakulære en av favorittteknikkene for dekorering av smykker og dekorative og anvendte produkter laget i denne stilen.
I Russland var emaljen godt kjent selv i den før-mongolske perioden. I løpet av Kiev fyrstedømme var detaljer om seremonielle klær og kirkeutstyr hovedsakelig dekorert med emalje. Den mest brukte er cloisonne emaljeteknikken lånt fra Byzantium. Bysantinsk innflytelse er spesielt uttalt i verkene fra 11-1200-tallet. Som et resultat gikk hemmelighetene for fremstilling av disse emaljene tapt. I XVI-XVII århundre kom Moskva juveler i forgrunnen. Etter å ha sin opprinnelse i verkstedene til Armory, utbredt emalje på filigran, som er en type cloisonne emalje. Forskjellen var at partisjonene i dette tilfellet er laget av vridd og rullet ledning. Hovedforskjellen er at emaljen som ble påført i et tynt lag ikke ble polert på grunn av dens fordypning relativt til nivået på skilleveggene. Den generelle trenden med smykker fra den tiden var prakt og luksus. Emaljer ble brukt passende - flerfarget, tett og mettede toner.
En annen type kunstnerisk emalje oppsto i XVIII-XIX århundrer. Rostov den store ble den russiske vuggen for malt emalje, eller som det ble kalt "Rostov emalje". Opprinnelig emaljemalte ikoner, kors, miniatyroverlegg på hellige bøker, patirs og andre liturgiske redskaper, samt på presteres vestmenter. Deretter begynte sekulære motiver å trenge gjennom emaljekunsten. Portretter og landskap dukket opp, ligner i ånd som staffeli, samt innlegg til smykker.
Men kanskje nådde emaljekunsten de største høydene i verkene til det verdensberømte selskapet "Faberge" (faberge). Selskapet begynte sin historie i 1841 da Gustav Faberge, opprinnelig fra Frankrike, åpnet et smykkeverksted i St. Petersburg. Suksessen og anerkjennelsen av selskapet er imidlertid forbundet med navnet på sønnen, Carl Faberge. Etter å ha fått en kunstutdannelse i Tyskland, Italia og Frankrike, ble Karl godt kjent med de beste tradisjonene for europeiske juvelerere. I verkene hans kan du finne ekko av nesten alle tidsepoker, fra antikken til moderniteten.
Faberge-verksteder produserte mange forskjellige produkter, men det var emaljerte dekorert verk som var høydepunktet til Faberges kreative geni og et særegent kjennetegn for selskapet. Utrolig vakre rammer for portretter, parfymeflasker, krus, sigarettvesker, pudderbokser, øser, te og bestikk var dekorert med unike emaljer. Utvilsomt var de mest betydningsfulle verkene fra Faberge House unike påskeegg, ingen av dem ble gjentatt. Det første påske-mesterverket i 1883 ble bestilt til selskapets juveler av den russiske keiseren Alexander III som en gave til sin kone, keiserinne Maria Fyodorovna.
Deretter ble rundt 50 unike egg laget for medlemmer av keiserfamilien, som hver hadde en overraskelse inne. Emaljer, uovertruffen i kvalitet, skilte seg ut i perfekt overflatens glatthet. Selv med en liten endring i synsvinkelen, endret emaljen farge ...
